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〜ピアノレッスンと人間的成長〜

人間の脳は三層構造になっています。一番内側にある爬虫類脳は生存本能に関わる機能を司っています。意識しなくても呼吸や心臓が働いてくれるのはこの脳のおかげです。また恐怖を感じた時に、逃げる/闘うなどの防衛反応が自動的に作動するのもこの脳と自律神経の連携によっています。

本能の部分は生存を助けてくれますが、時にはやっかいでもあります。怒りを感じるたびに人を殴っていたら社会生活はままなりません。

そこで衝動を上手に抑制する必要が出てきます。これは大脳新皮質と呼ばれる一番外側の層の働きです。いわゆる理性的な働きを司ります。

音楽の演奏には、衝動をコントロールすることが求められます。楽譜に書かれた音楽に沿って、自分でテンポを速くしたり遅くしたり、音量を大きくしたり小さくしたりするのは、衝動コントロール能力を練習していることでもあるのです。

ピアノレッスンと人間的成長

赤ちゃんはお母さんと愛着関係を結び、それを安全基地として、自分や世界を信頼することを学びます。

同じように、レッスンを通じて先生から評価してもらう体験が積み重なると、生徒の心の中で先生が特別な存在になっていきます。

心の中に取り入れられ、自分を支えてくれる存在を、心理学では〈内的対象〉と呼びます。重要な誰かとの関係を通じて安定した対象関係を内的に形成することは 、心を健康に保つ上で、お子さんのみならず、大人にとっても大切なことです。それがあってはじめて自分と他者、そして音楽への信頼感を育ててゆけます。

音楽レッスンは、安定した対象関係を育む場にもなります。

音楽の基礎能力は、いくつかの能力の複合からなっていると言えます。

ソルフェージュ：読譜に関するいろいろな能力を身につけること。

楽典：楽譜に書かれている楽語や記号の意味や、音楽理論を理解すること。

音楽のリズムを身体で感じる能力（リトミック）

正確に楽譜を読み、音楽を心の耳で聴き、身体の内側から演奏する。このような諸能力の複合が基礎を作ります。

バロック時代の音楽では、特にフランスでイネガル（不均等）奏法という習慣がありました。楽譜上で均等に書かれているリズムを不均等に演奏します。

呼吸のリズムは、吸うと拍の比率は、起きている時で１：１、寝ている時はおよそ１：２に近くなります。心臓リズムも１：２ですね。このような身体的な体験が基盤にあって、それが前者は２拍子、後者は３拍子というふうに、偶数拍子と奇数拍子に分岐してゆくのでしょう。

ただ〈音楽〉として分節されたこのようなリズムは人口的なもので、実際の呼吸は１：１と１：２の間で無数に可能な 、より微妙な比率で分割されたリズムで膨張と収縮が繰り返されているのが自然です。

イネガル奏法は、人口的に分割された音価にこのような身体性から生じる自然な揺らぎを与えるものと考えられるでしょう。例えば連続した二つの８分音符を１：１ではなく、２：１に近い比率で弾きます。どの程度の比率の揺らぎを与えるかは奏者の自由に任されており、そこに解釈の楽しみがあります。実際に同じ曲を別の演奏者で聴き比べてみると、だいぶ違いがあり、ほとんど３：１（いわゆる付点リズム）に近くまで揺らしている奏者もいます。

イネガル奏法を使うと、ジャズで言うスウィング感が出て、メロディーが歌うようになります。ただしこの時に音のグルーピングを間違えるとだいなしになります。表↓裏↑/表↓裏↑/では音楽の動きは生まれません。リズムは裏拍から始まります。裏↑/表↓裏↑/表↓裏↑/表↓です。表裏ではなく、ウラオモテのある人になりましょう！

フランスのラモーの曲はイネガル奏法をたくさん使えるので、ぜひ挑戦してみて下さい。優雅で美しく、また楽しい曲が多く、私も一時期ハマり、全４８曲を録音したことがありますこの音声もその時のものです。（その他もYouTubeチャンネルで聴けます。）

完全にノーペダルで弾いていますが、音価を不均等に弾くこと音に流れが出て繋がっているように聴こえると思います。私の趣味としてイネガルの揺らぎの量は基本的に少な目で、フレーズの形などによってたまに強めになるという程度にしています。

ちなみにバッハの曲にイネガル奏法を使うとドイツ語のリズムには合わないのか、違和感がありますが、それでも表面上はわからない程、身体の中だけでイネガルなリズムを感じて弾くと、それだけでスウィング感が出るようです。また別の時代区分の曲でも使える場合があるように思います。色々と試してみると良いでしょう。

記憶以前Piano Practice Assistantというアプリを使ったことがある。記憶に関するさまざまな研究結果に基づいて開発されたらしい。

記憶術について過去の研究から効果的なのがわかっていることがふたつある。Spaced Repetition　(間を開けた反復)これは、ひとつのセクションを長時間いっぺんに練習するよりも、一定の時間、日にち、週を空けて繰り返し練習する方が記憶の想起に対して効果的という原理。

Interleaved Practice(差し挟み練習)、もしくはDistributed Practice(分散練習)これは実際には、間隔反復の原理を一回の練習時間の中で用いたもので、一度の練習の中で、同じセクションを短い時間、複数回行うこと。その際に、短いセクションをランダムな順番に混ぜて（つまり差し挟んで）やることだ。すべてのセクションを順番に長い時間練習するBlocked Practiceより効果があることが研究からわかっている。

暗譜というのは中期・長期記憶に音を刻み込んでいくことだから、そのためには覚えた音を中期・長期記憶から取り出すという作業を練習する必要がある。今覚えたばかりの音は作業記憶に保存されているため、すぐに繰り返して想起して弾けたとしても、それは作業記憶から取り出して弾いているだけの可能性が高い。その時は弾けても、次の日には忘れている度合が高く、非効率的になる。

差し挟み練習では、まずＡセクションを短時間練習し、次にＣ，Ｅ，Ｂ、Ｄ　とランダムに他のセクションの練習を間に差し挟んでいく。つまり作業記憶スペースには次々と新しい情報が流れ込んでくるので、最初にインプットしたＡを保持しているのが難しくなる。（人間は一度に７つぐらいしか作業記憶スペースに保持できないらしい。音楽の演奏ではひとつのセクションを弾くのにさえ、７つどころではない多くの作業が複合的に含まれていることを考えれば、おそらくひとつかふたつの短いセクションを続けて練習しただけでも、最初に入れたセクションは作業記憶からクリアされるのではないか）。つまり最初にインプットしたＡは、他のセクションをインプットしている間に作業記憶スペースからかなりクリアされてしまっている可能性が高く、ということは次に何分か後に再びＡの練習に戻って来た時には、作業記憶からではなく、中期・長期記憶から引き出そうしなければ引き出せないことになる。

このように、差し挟み練習法を取ることで、記憶したことを中期・長期記憶から取り出す神経回路を強化する訓練になっているようだ。Blocked Practiceはその時は弾けるので弾けたような感覚が得られるのだが、それこそが落とし穴とも言える。

このアプリでは、あらかじめ打ち込んで置いたセクションやサブセクションをアプリがランダムな順番で指示してくる。

曲の中で、三つ以上の音が同時に鳴ると和音が作られます。多くの西洋音楽の楽曲では、中心となる和音に対して、その他の和音が階層的に秩序付けられることによって、お互いに意味のある関係性が表現できる仕組みになっており、それが緊張と弛緩、遠い近い、といった印象を生み出すように働いています。「ハ長調」とか「ハ短調」といった言葉を聞いたことがあると思いますが、これはその中心となる和音を表しています。和音がお互いに無関係に並んでいるのではなく、ある関係性を生み出すようになっている仕組みを「機能和声」と呼びます。ハーモニー分析とは、楽譜に書いてある和音がどのように構成されているか、またそれが全体の地図の中でどのような位置にあり、どのような機能を果たしているのか、などを理解することです。

ハーモニーの分析ができると以下の良いことがあります。

• 曲の中でハーモニーによって生み出されている緊張と弛緩の動きを明確に表現できるようになる。
• それによって音楽に推進力が生まれる。
• 楽譜上で和音が出てきたときに、ひとつひとつの音を読むのではなく、パターンで認識できるようになるので、譜読みが格段に楽になる。
• 初見が上達する。
• 暗譜が楽になる。
• 理論的な理解は記憶を助けるので、暗譜がより確実になる。
• ポップスの楽譜などのコードネームが読めるようになる。
• 簡単な即興や作曲できるようになる。

ハーモニー分析は、主にローマ数字を用いた方法や、コードネームを用いた方法があります。それぞれの良さがありますが、できれば両方から捉えることが望ましいでしょう。ジャズのハーモニーなどの考え方もお伝え出来ます。

楽曲解釈とは、楽譜に書かれている情報を深く読み取ることです。楽譜に書かれている音符は、鍵盤を機械的に押すだけでは、なかなか生きた音楽にはなりません。楽譜を読んだ人がその音楽を自分の心の動きとして掴み、その内なる音楽を、身体を通じて鍵盤に伝えてはじめて、実際に鳴り響く音に命が吹き込まれるのです。

心の動きとして音楽を立ち上げるために必要なのが、楽譜を読む力、つまり音楽を解釈する能力です。初心者は音符の高さや長さなど、表層に書かれている情報を読み取ることから始めますが、より経験を積むにつれて、曲の形式、曲全体の構造、モチーフやメロディーの作り、和音のつながりなど、背景に潜んでいる情報を読み取れるようになります。文章で言えば〈行間を読む〉作業に例えられるでしょう。

楽曲解釈にはたった一つの正解というものはなく、演奏者が選べる自由度がある点に大きな面白みがあります。楽譜を深く読み込むために必要な知識にはさまざまなものがありますが、できるだけ初歩の段階から曲に取り組む中でお伝えしてゆきます。

我が家の本棚からピアノ教育に関する本をランダムに取り出してみる。トバイアス・マッセイ（1858年 – 1945年、イングランドのピアニスト、教育者、作曲家）。邦訳書は『ピアノ演奏の根本原理』と『ピアノ演奏弛緩の技法』の二冊が出版されているが、この本は出版されていないようだ。

前書きの日付は、１９１２年とある。まずタイトルは、”Musical Interpretation-Its Laws and principles And Their Application In Teaching And Performing”。日本語に訳すと『音楽解釈ー仕組みと原理　教育と演奏への生かし方』という感じか。

導入の章に書いてあることを少し紹介してみよう。

教えるということについて。

・生徒に〈教え込む〉ことはできない、生徒が学ぶのを助けることができるだけ。

・生徒の中にも、すべて教えてもらおう、先生に解決してもらおう、という受け身な姿勢がある。まずそれと闘わねばならない。

・生徒が自分の耳を育て、演奏や練習について自分で分析できるよう助ける。

・説明なしで模範演奏を見せる危険性：外面だけ真似てしまう。（例：ルバート）。

生徒についての分析点４つ

1.生徒が実際に何をしているか？

2.何らかの間違いに気づく

3.生徒がその間違いを行っているの理由はなぜか？

4.生徒はどんな心構えを持っているか？　それに合った伝え方はどのようなものか？　

〈詰め込み〉と〈教育〉の違い

〈詰め込み〉：先生が自分の思う通りに生徒が弾くように仕向ける→生徒が自分の頭で考えない。

〈教育〉：どこに間違いがあり、どうあるべきかを指摘するだけでは十分ではなく、それが起こっている原因と直し方を伝える必要がある。例１：速い曲でテンポが速すぎる：「もっとゆっくり」ではなく、「裏拍に注意を向けながら弾いてみよう。」例２：遅い曲でテンポが遅すぎる:「もっと速く」ではなく、「長いフレーズを意識して弾いてみよう。」

ということで全体的には、分析的知性を働かせることの重要性が強調されている印象です。ただし、それを先生が音楽への熱意を背景に持って伝えることがなければ、単なる理屈によっては生徒は説得できないでしょう、と付け加えるのも忘れていません。

以後の章も面白かったらまた書きます。